Undicesimo incontro della rassegna

CROSSOVER/ATTRAVERSAMENTI

sperimentazione creativa e contaminazioni fra immagine, narrazione e progetto

Martedì 21 maggio

ore 17.00 / Aula Magna

Il cinema nell’intramontabile presenza dell’arte. Quale futuro?

Loretta Guerrini dialoga con Silvia Spadoni

Loretta Guerrini

Tiene corsi e lezioni presso l’Università di Bologna dal 1984 nel campo analitico del film, con una particolare attenzione alla teoria e alla prassi dell’audiovisivo, del film e del documentario. Ha partecipato a congressi nazionali e internazionali in qualità di relatore e di organizing committee. Ha tenuto lecture presso Università straniere e nazionali. Attualmente è docente di “Analisi del film e di scrittura per il cinema e la televisione”, presso il Dipartimento delle Arti visive performative e mediali  dell’Università di Bologna. L’evoluzione della sua attività di ricerca è strutturata in un progetto sino a oggi suddiviso in tre periodi: dal 1979 sino al 2002 produce una serie di studi e lavori sul tema del rapporto tra Cinema, Filosofia e Teologia. Nel secondo (2002-2006) applica i risultati teorici elaborati in precedenza nel mondo della didattica e della prassi dell’audiovisivo tramite il suo incarico di docente universitario e conducendo esperienze quali quella di scientific advisor di nuove iniziative multimediali a livello internazionale. (E-TV)

Dal 2007 le sue attività di ricerca ed insegnamento, vissute e sperimentate attraverso una sostanziale sinergia operativa, hanno trovato nell’area della relazione Cinema – Pedagogia l’ambito per lo sviluppo di nuove frontiere di ricerca e tra queste e la Filmagogia.

Su questa direttrice ha promosso, curato e sviluppato in prima persona i due Convegni Nuovi Orizzonti dell’Iconosfera e Filmagogia1. La sua esperienza in ambito multimediale ha motivato lo Stato di San Marino ad attribuirle il ruolo di Membro della Giuria per la selezione degli artisti in occasione della 54.ma Biennale di Venezia nel 2011.

Presentazione workshop

Locandina Tu pensa troppo

Al momento giusto

Mostra collettiva di videoarte

Apertura sabato 18 Maggio 2013 dalle 19.00 alle 22.00 – Via Ganaceto, 44 Modena

A cura di: Claudio Rosi, Eleonora Fontana

Organizzazione e comunicazione: Barbara Ceciliato, con il contributo di Federica Barbieri

L’evento, rientrante nel programma artistico di Nessun Dorma, la notte bianca del Comune di Modena, nasce dalla collaborazione tra le due associazioni culturali Casagallery Itinerante e La Piattaforma.
Casagallery Itinerante riunisce giovani artisti provenienti dall’Accademia di Belle Arti di Bologna che si esprimono attraverso la contaminazione di molteplici linguaggi e tecniche: video, performance, scultura, grafica, pittura e installazioni sonore. Invitati a confrontarsi ogni volta con ambienti già fortemente connotati, i collettivi realizzano mostre nelle quali le opere vengono pensate, elaborate e realizzate in sinergia con lo spazio in cui sono immerse.
Pur non avendo un tema comune, i video presentati in Al momento giusto sembrano parlare di speranze, ricordi, dubbi, evocando e appellandosi continuamente al quotidiano, alla memoria o ancora all’identità autobiografica dell’artista.

Paola Baccigalupo, Federica Barbieri, Natalia Bonacini, Yana Drumeva, Giulia Giannerini, Sara Menegatti, Giulia Montali, Margherita Righini, Martina Scattaglia, Maurizio Secchi, Alice Vignoli.

Casagallery Itinerante è un’associazione culturale fondata Claudio Rosi e Barbara Ceciliato, con il patrocinio dell’Accademia di Belle Arti di Bologna. Nata nel 2007 come abitazione a disposizione di artisti-studenti per la loro produzione artistica, si è configurata negli anni come spazio espositivo sitespecific, diventando una realtà itinerante.

Sito web: http://www.exhibitionow.com/casagallery/

La Piattaforma è un’associazione culturale fondata nel 2011 da alcuni studenti modenesi, con l’obiettivo di creare opportunità di dialogo e confronto su temi d’attualità. Alcuni degli eventi svolti hanno toccato argomenti quali il sisma emiliano, le elezioni politiche, la cultura europea.

Sito web: http://www.lapiattaformamodena.it/

Richiesta di Abstract Clicca qui.

Vent’anni di ricerca raccontati dagli artisti

Ciclo di conferenze a cura di Piero Deggiovanni

Insegnamento di Estetica dei Nuovi Media

Aula Arcangeli (ingresso dalla Pinacoteca)

giovedì e venerdì alle ore 14.00

a partire dall’ 11 aprile 2013

Alcuni tra i principali interpreti del complesso rapporto tra le arti visive e i mass media, racconteranno la loro personale ricerca in oltre vent’anni di attività, testimoniando con le loro opere, la rapida evoluzione tecnologica dei mass media verso l’integrazione digitale dei dispositivi e dei software, nonché la loro invasività nel quotidiano, e nell’immaginario popolare.

La riflessione artistica sulla relazione tra arte e media nel nostro Paese ha condotto agli inizi degli anni Novanta ad un movimento eterogeneo condensato attorno ad alcune idee guida espresse inizialmente, e a lungo ribadite teoreticamente, dal critico Gabriele Perretta sotto la duttile definizione di Medialismo da lui formalizzato e concepito come luogo di compresenti differenze nell’approccio ai mass media. Successivamente si giungerà ad un clima diffuso di sperimentazioni con i nuovi media composto da singole personalità artistiche le quali, su un substrato Pop – spesso legato a icone della società dei consumi –  hanno cercato di interpretare la sempre più invadente presenza dei media nella vita quotidiana e nelle arti. Verso la fine degli anni Novanta, addirittura, molti artisti si dedicheranno alla fotografia e alla stampa digitale, impegnandosi nella sperimentazione delle potenzialità creative dei software dedicati al ritocco, producendo immagini fortemente correlate a idee ancora oggi in dibattito, quali il riposizionamento identitario dell’uomo nelle relazioni sociali quotidiane e domestiche, la relazione uomo-macchina,  l’economia del corpo e la sua mutazione, la simulazione come surrogato della realtà e ipotesi di futuro, giungendo recentemente alla riscoperta del simbolico e della tradizione storico artistica come imprescindibili paradigmi culturali.

Gli artisti invitati a tenere le conferenze personali, in forma di monografie sul proprio lavoro, fino ai loro esiti più recenti sono: Karin Andersen, Marco Bolognesi, Pierpaolo Campanini, Gabriele Lamberti, Antonella Mazzoni, Virginia Panichi Donati, Fabrizio Passarella, Marco Samorè.

PROGRAMMA________________________________

• 11 aprile –  Fabrizio Passarella – http://www.fabriziopassarella.org

•12 aprile – Gabriele Lamberti – http://www.gabrielelamberti.it

•18 aprile – Karin Andersen – http://www.karinandersen.com

•19 aprile – Antonella Mazzoni – http://www.antonellamazzoni.it

• 2 maggio – Pierpaolo Campanini – http://www.kaufmannrepetto.com/artist/pierpaolo-campanini

• 3 maggio – Marco Samorè – http://tesco-faenza.blogspot.it/

• 16 maggio – Virginia Panichi Donati - http://www.virginiapanichi.com/#/home

• 17 maggio – Marco Bolognesi – http://www.marcobolognesi.co.uk

_____________________________________________________________________________________________

Corso di I Livello in Fotografia, Cinema e Televisione

Dipartimento di Progettazione e Arti Applicate

Corso di Computer Graphic – prof. Danilo Danisi
Quinto incontro del ciclo “Synaesthetic Modules”
Mercoledì 15 Maggio 2013, ore 15 – Aula Teatro
Seminario con: Riccardo Castagnola – “Disegnare il suono: la musica oltre il pentagramma “.
A seguire, concerto elettroacustico: “Leitmotiv DUO”

Prossimo incontro: Mercoledì 22 Maggio.
Francesco Papaleo, “Software per la composizione musicale elettronica #2”

Decimo incontro della rassegna

CROSSOVER/ATTRAVERSAMENTI

sperimentazione creativa e contaminazioni fra immagine, narrazione e progetto

Martedì 14 maggio

ore 17.00 / Aula Magna

Parola descritta (arti fantasma)

Alessandro Bergonzoni dialoga con Silvia Spadoni

Jonny Costantino

FILMARE IL FLUSSO

tra paesaggio e passaggio

proiezioni

LE CORBUSIER IN CALABRIA

(2009, super8, colore, 11’)

di Fabio Badolato Jonny Costantino

(BaCo Productions)

BEIRA MAR

(2010, digitale, colore, 14’)

di Fabio Badolato Jonny Costantino

(BaCo Productions)

Jonny Costantino è filmmaker e saggista, attualmente direttore responsabile del quadrimestrale “Rifrazioni. Dal cinema all’oltre” (www.rifrazioni.net) e codirettore di “Rivista” (www.rivistaonline.net). Con Fabio Badolato (filmmaker e produttore indipendente) nel 2005 fondano la BaCo Productions (www.bacoproductions.org), entità bicefala attraverso cui realizzano i loro film: Jazz Confusion (lm, 2006), Mimesi (cm, 2007), Storie dell’occhio (cm, 2008), Le Corbusier in Calabria (cm, 2009), Beira Mar (cm, 2010), Il firmamento (cm, 2012), co-sceneggiato con Antonio Moresco (info@bacoproductions.org per la stampa: press@bacoproductions.org).

Sandro Sproccati su BaCo Productions

(estratto da BaCo Produtions. Lo sguardo infinito dell’antidocumentario,

in “Rifrazioni. Dal cinema all’oltre” n. 3, maggio 2010):

La premiata ditta Baco Productions (Fabio Badolato e Jonny Costantino) si insinua nella fessura, invero assai tumida, dell’anti-documentario (incisione stretta, dico, ma pronta a schiudersi, come ogni solco, vivo, che si rispetti) muovendo dal lato opposto rispetto ai casi sopra citati, ovvero partendo dal “documentario” tout court, ma implicandolo in un chiaro disegno metalinguistico che ne stravolge la consueta portata – e ancor più i consueti scopi – per farne strumento atto a trarre dalla “realtà dei fatti” materiale da costruzione (anche come materiale di recupero, di furto) in vista di una testualità filmica, di una semiosi audiovisiva, che si ponga più come indagine sulle potenzialità stesse dell’espressione cinematografica che come inchiesta sui soggetti (pre-testi pro-filmici, vita viva affrontata e riferita) di volta in volta tematizzati, e che quindi concorra a tracciare il senso, i limiti, le pulsioni, le inibizioni, le rimozioni, gli scarti, gli scatenamenti, le liberazioni, di una complessa quanto ambiziosa – sebbene altamente ipotetica, arrischiata – poetica dello sguardo. Nella logica, ovviamente, di uno sguardo che è più desiderante di quanto non sia oggettivo, più affamato che sazio, più gettato nella sua trionfale sconfitta che non appagato dalla conoscenza di ciò che vede (la quale sarebbe poi il presupposto della didattica documentaristica tradizionale). Una poetica e una logica che dunque finiscono per delineare la figura davvero eversiva di un occhio anti-albertiano, infinitamente mobile e sempre decentrato, talora per questo anche pressoché accecato, eppure iper-vedente proprio in quanto visionario, perché destabilizzato e sempre messo fuori gioco dall’ineffabile (superiore) invisibilità del reale.

Vito Teti su Le Corbusier in Calabria

(estratto da Lampi tra le rovine, in Le Corbusier in Calabria,

catalogo + dvd, Baco Produtions 2009):

Non so se siamo ancora in tempo e se la salvezza possa arrivare ancora da queste bellezze, rintracciate, indicate dai due registi con delicatezza e con parsimonia, con rispetto, quasi con timore. Non esistono ricette se non quelle che noi riusciremo a scrivere. Bisogna provare a raccontare, come fanno Fabio Badolato e Jonny Costantino, con persuasione e senza retorica, con uno sguardo fisso e mobile, aperto e chiuso, lontano e vicino, da fuori e da dentro. Mi giunge un certo sollievo nel vedere che non tutti hanno rinunciato a uno sguardo sincero, sofferto, capace di provocare domande e inquietudine, disposto a individuare le nostre rovine, interiori ed esteriori, senza catastrofismo. Si avverte l’urgenza di un nuovo sguardo, di un nuovo riguardo. Degli altri, di noi stessi, di quelli che arrivano, di quelli che partono, della terra, dei fiumi, della vita, non dimenticando una storia di difficoltà e di contrasti. Occorre camminare con delicatezza e con convinzione lungo la linea d’ombra che – come in questo film – separa il cielo dal baratro, l’altezza dall’abisso, la luminosità dalla ruggine, la perdizione dalla salvezza. C’è bisogno, forse, di una narrazione che sappia cogliere la verità dell’incubo e anche lo spazio del sogno. Le Corbusier in Calabria andrebbe mostrato nelle nostre scuole, agli insegnanti e ai giovani. Non è solo un bel racconto per immagini, ha molto da suggerire sulle bellezze del nostro paesaggio e sul rischio che venga distrutto, sulla necessità di guardare davvero con la mente e con l’anima, e offre impensati spunti di meditazione per affermare il senso delle regole, della legalità, dell’etica, senza le quali la bellezza che vorremmo cogliere e coltivare appare impossibile.

Adriano Piccardi su Beira Mar

(estratto da Dvd - Baco Productions,

in “Cineforum”, n. 504, maggio 2011):

Ciò che fanno Badolato e Costantino è spingersi in un territorio differente, laterale, trasversale: anche il termine documentario, che essi stessi utilizzano – immagino per comodità ed encomiabile modestia – per descrivere sinteticamente la loro attività, risulta stretto nel dar conto dell’effettivo approccio e dei risultati. […] Il recente Beira Mar (settembre 2010) giunge a conseguenze radicali condensando nei suoi quattordici minuti le premesse costruite nelle opere precedenti: lo sorregge una intenzionale casualità che imbuca la realtà di cui dovrebbe farsi “documento” in un affollato palcoscenico di fantasmi colti tra l’enigma e una precaria disposizione a esporsi, ironica e struggente.

COMUNICATO STAMPA                    

Conferenza Flavio Caroli

Il giorno Giovedì 9 Maggio 2013 alle ore 18.00, l’Accademia di Belle Arti di Bologna ospita, nell’Aula Magna dell’Istituto, il noto storico dell’arte Flavio Caroli che presenterà ai bolognesi la sua ultima creatura editoriale dal titolo “Il Volto dell’Occidente – Venti Capolavori che hanno fatto l’immagine della nostra civiltà” pubblicato da Mondadori.

Flavio Caroli, che attualmente insegna all’Università di Milano dove vive e lavora, per molti anni è stato nostro concittadino : si è formato e laureato con Francesco Arcangeli ed ha insegnato al Dams degli esordi. Da quando è nata la trasmissione “ Che tempo che fa” di Fabio Fazio è ospite fisso, dove “legge” ed interpreta capolavori dell’arte italiana ed internazionale.

Bologna, 3 Maggio 2013

F.to Il Direttore

Prof. Mauro Mazzali

È possibile descrivere lo spirito della civiltà occidentale, così come si è evoluto con mutamenti vertiginosi nel corso del XX secolo, attraverso venti capolavori dell’arte? L’impresa è senza dubbio temeraria, e non priva di insidie che potrebbero indurre a forzature o interpretazioni arbitrarie. Ma Flavio Caroli, da sempre interessato a indagare i fondamenti primari del “pensiero in figura”, accetta la sfida. Ed ecco allora che, dopo aver tratteggiato i volti dell’uomo e della natura nelle sue molteplici manifestazioni artistiche, delinea un nuovo volto che in qualche modo li racchiude. Un’immagine essenziale e al tempo stesso complessa, un poliedro a venti facce: venti opere da Van Gogh a Warhol. Tra fine Ottocento e fine Novecento l’impulso innovativo dell’arte ha subito accelerazioni inaudite, dissacrando, rinnegando, stravolgendo il punto di vista sulla realtà e tuttavia, una volta esauritasi la violenza di tale eruzione, ha riscoperto, in una visione rinnovata, le radici di quella tradizione che intendeva estirpare. Non a caso i venti capolavori prescelti, celeberrimi e di valore universale, sono da considerare archetipi, motori originari di “tutto ciò che si è mosso nell’immaginario occidentale”: fra questi, “La notte stellata” di Van Gogh, “La Dame” di Matisse, “Primo acquerello astratto” di Kandinskij, “Guernica” di Picasso, “La città che sale” di Boccioni, “Le Muse inquietanti” di de Chirico, “Murale” di Pollock, “Trenta è meglio di una” di Warhol.

Fonte: http://www.amazon.it

Documentario come Opera d’Arte

BOLOGNA 9. 10 Maggio 2013

Teatro dell’Accademia di Belle Arti

Via Belle Arti 54 – Bologna – Italy

Inaugura la Rassegna di Cinema di ricerca dal titolo, Il Documentario come Opera d’Arte, promossa dal triennio di Fotografia, Cinema e Televisione del Dipartimento di Progettazione e Arti applicate, dell’Accademia di Belle Arti di Bologna, a cura di Piero Deggiovanni coordinatore del corso e Patrizia Roppo,  con la   collaborazione nella direzione artistica di Caucaso Factory (www.caucaso.info) e dell’Associazione  Documentaristi Emilia Romagna DER (www.dder.org).

La Rassegna, introdotta dal Direttore delle Belle Arti Mauro Mazzali, si pone come opportunità  per gli studenti e la cittadinanza di confrontarsi con le opere ed il lavoro di giovani autori, registi del cinema italiano contemporaneo. Ogni proiezione è seguita da un dibattito aperto ai temi ed ai metodi di ricerca.

Quattro autori e altrettante visioni eterogenee che si intersecano in una trama artistico-antropologica. Una dimensione ibrida tra video-arte e reportage, dove il linguaggio del primo, carico di simbolismo si fonde con quello dell’altro sociale antropologico.

Il risultato si distingue per un’immediata fruizione dell’opera, le situazioni sembrano esplodere nell’osservatore, che si ritrova immerso nel contenuto svelandosi attraverso le immagini, prima ancora che attraverso il testo.

PROGRAMMA GIOVEDI 9 MAGGIO

Ore 10.30 – In Calabria o del Futuro Perduto (2013, 15′) di Enrico Masi, regista Bolognese.

Un piccolo film di antropologia, alla scoperta di una comunità albanese, quella Arberesh, stabilitasi in Italia meridionale in seguito all’invasione ottomana dell’Albania a metà del ‘400, di cui vi sono tracce, nonostante l’avanzata della globalizzazione, in alcuni luoghi impervi dell’appennino calabrase.

Ore 11.00 – Anita (2012, 55′), di Luca Magi (disegnatore, animatore e illustratore, diplomato in Progettazione Multimediale all’Accademia di Belle Arti di Urbino), prodotto da Alessandro Carroli – Kiné(doc.kine.it)/ Vezfilm (www.vezfilm.org); liberamente ispirato al trattamento ”In viaggio con Anita”, scritto da Federico Fellini e Tullio Pinelli nel 1973, alla cui stesura ha contribuito anche Pier Paolo Pasolini. L’unica edizione è quella americana di Moraldo, In the city and A Journey with Anita, a cura di J.C. Stubbs, University of Illinois Press, 1983.

Uno dei tre progetti irrealizzati (insieme a Viaggio a Tulun e Mastorna) che il regista riminese si pentì di non aver mai portato a termine ha ora ispirato Luca Magi e Antonio Bigini. Anita è un film costituito da immagini d’archivio (8mm, super8) e nuove riprese digitali che vengono amalgamate dalla stampa dell’intero materiale in 16mm. Commentato dalla voce di Emidio Clementi, cantante dei Massimo Volume e impreziosito dalla tessitura sonora di Massimo Carozzi. Il film ricostruisce un percorso di paesaggi e incontri umani tra Toscana, Lazio, Marche ed Emilia, accostati seguendo le suggestioni di quel soggetto, che prevedeva il ritorno a casa del protagonista Guido (insieme alla compagna Anita) a trovare il padre morente.

Ore 14.00 – The Golden Temple (2012, 70′), di Enrico Masi. Fenomenologia dell’ultimo anno prima dei giochi olimpici di Londra. Presentato in anteprima mondiale alle Giornate degli Autori – Mostra del Cinema di Venezia e in diversi festival italiani ed europei (Reykjavick International Film Festival,  Document 10 Glasgow, Festival dei Popoli, Uruguay International Film Festival).

Un’odissea urbana attraverso tre templi nel medesimo spazio (tempo libero, preghiera e consumo), che rivela il cuore battente del capitalismo. La storia delle persone incontrate lungo il limite del villaggio olimpico, il processo di gentrificazione e regeneration che agisce sulle vite delle persone come dispositivi.  Una ricerca che usa il cinema come strumento di conoscenza, non un film di denuncia o di contro-informazione ma un film di poesia.

PROGRAMMA VENERDI 10 MAGGIO

Ore 10.00 – My Private Zoo (2012, 1h56′), di Giovanni Sirch, filmaker e docente di Teoria e critica d’arte, nato a Udine nel 1963 e Ferruccio Goia, filmaker, nato a Formia nel 1982, prodotto dagli autori in associazione con Transmedia Production.

My Private Zoo, presentato in concorso al Festival dei popoli di Firenze racconta da una prospettiva lontana dalla retorica e dai toni oggettivanti di un’inchiesta sociologica la situazione in South Africa dopo la fine dell’Apartheid, attraverso la prospettiva visionaria dell’artista sud africano Anele. Un fotografo disoccupato che ci conduce come un guardiano silenzioso, nelle memorie del ritratto disincantato della sua township. I registi inseriscono all’interno della narrazione cinematografica le immagini statiche delle fotografie realizzate dallo stesso Anele, fotografie che si concentrano sulla tradizione culturale Xhosa che testimoniano la discriminazione razziale ancora in atto anche nella sua comunità di appartenenza in cui si avvertono tensioni pronte a scoppiare. La fotografia del film, ad opera degli stessi autori, rende il simbolismo del chiaroscuro; la scelta del Jazz, che fa da colonna sonora al documentario, va ricondotta a ragioni di ordine storico, a un genere musicale che il regime vietava ai neri delle township, costringendo così molti artisti di talento ad una dolorosa diaspora verso le capitali dell’occidente.

Ore 14.00 – COSEsalve (2012/13, 30′) di Alberta Pellacani (classe 1964, laureatasi all’Accademia di Belle Arti e al D.A.M.S di Bologna), prodotto da Vivo Film.

COSEsalve è un reportage che da voce al cambiamento di valore che hanno assunto le cose,  nelle zone colpite dal sisma del 20 maggio del 2012. Il film, intenzionalmente spigoloso e impreciso, rimanda a qualcosa di incomprensibile: respira un tempo sospeso tra i ricordi di ieri, già divenuti passato e il vuoto di un futuro incerto, nella consapevolezza intima che nulla sarà più come prima. Il progetto è stato condiviso con la reporter Antonella Monzoni, che al video ha affiancato la fotografia in modo autonomo, cercando di unire documento e sentimento, raccontando attraverso diverse immagini, microstorie di famiglie e singoli, le loro emozioni e memorie.

Comunicato Stampa. Documentario come opera d’arte

Manifesto

CS ICOM

Con la lecture di Andreco giunge al suo secondo appuntamento il workshop DALLA RAPPRESENTAZIONE ALL’AZIONE: PERCORSI TEORICO/PRATICI DI FORMAZIONE ALLA PROGETTAZIONE NEGLI SPAZI PUBBLICI PER GLI STUDENTI DELL’ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI BOLOGNA.

L’appuntamento è per giovedì 9 maggio dalle 13.00 alle 15.00 presso l’Aula I 2 dell’Accademia di Belle Arti di Bologna, via delle Belle Arti 54

DALLA RAPPRESENTAZIONE ALL’AZIONE: PERCORSI TEORICO/PRATICI DI FORMAZIONE ALLA PROGETTAZIONE NEGLI SPAZI PUBBLICI PER GLI STUDENTI DELL’ACCADEMIA DI BELLE ARTI DI BOLOGNA.

Il workshop, curato da Mili Romano all’interno del corso di Antropologia culturale, è finalizzato alla selezione di progetti di interventi artistici contestuali, relazionali e site-specific per la manifestazione di public art “Cuore di pietra”, che dal 2005 annualmente si rinnova a Pianoro, e per il geoblog “Percorsi emotivi”. Il workshop già avviato nel mese di aprile, sarà attivo fino a giugno.

All’interno dei momenti didattici di laboratorio sono previsti incontri con artisti attivi in ambito nazionale nel campo dell’arte pubblica. Dopo gli incontri con Alessandra Andrini, Emilio Fantin, Claudia Losi, Marcello Maloberti, Cesare Pietroiusti, John Rubin, Eva Marisaldi ed Enrico Serotti, che hanno partecipato alle edizioni 2011 e 2012 del workshop, quest’anno gli artisti invitati a presentare la loro esperienza sono:

Daniele Pario Perra                                    giovedì 18 aprile

Andreco                                                      giovedì 9 maggio

Francesco careri (Stalker)                  giovedì 23 maggio

tutti gli incontri si terranno in AULA I 2 dalle 13.00 alle 15.00

Alessandra Andrini parteciperà al workshop nelle settimane di discussioni metodologico-organizzative e alla selezione dei lavori.

Brevi note sui relatori

Daniele Pario Perra è un artista relazionale, ricercatore e designer impegnato in attività espositive, progetti di ricerca e insegnamento. Il suo lavoro si sviluppa in ambiti disciplinari diversi: arte, design, sociologia, antropologia, architettura e geopolitica. Si occupa da diversi anni di creatività spontanea, tendenze culturali e modelli di sviluppo urbano, in una costante relazione tra cultura materiale e patrimonio simbolico. Nel 2001 ha iniziato il database Low Cost Design che contiene oltre 7000 scatti fotografici sulle trasformazioni degli oggetti e dello spazio pubblico in Europa e nell’area del Mediterraneo, pubblicato in due volumi bilingue da Silvana Editoriale nel 2010. Nel 2005 ha pubblicato Politics Poiesis, la sua prima monografia che raccoglie una lunga serie di riflessioni, stimoli e progetti dedicati all’arte contemporanea nel contesto urbano.

Andreco ha conseguito il dottorato in Ingegneria per l’Ambiente ed il Territorio ed il tema principale della sua ricerca artistica è il rapporto tra l’uomo e la natura in tutte le sue declinazioni. Dal 2000, parallelamente alla formazione scientifica, porta avanti la sua ricerca artistica, interessandosi anche di simbologia, antropologia, urbanistica e sostenibilità ambientale. Utilizza varie tecniche artistiche, dal disegno alla pittura, dalla scultura al video, che sono spesso combinate tra loro. Realizza installazioni per spazi chiusi e aperti, molte delle quali sono progetti di arte pubblica basati su concetti cari agli ambientalisti radicali.

Francesco Careri è architetto e dal 2005 è ricercatore universitario presso il Dipartimento di Architettura dell’Università di Roma Tre. Dal 1995 è membro fondatore del Laboratorio di Arte Urbana Stalker Osservatorio Nomade, con cui sperimenta metodologie di intervento creativo nella città multiculturale e dell’abitare informale a Roma, prima con azioni di arte pubblica al Campo Boario, in seguito a Corviale con studi e progetti sulle microtrasformazioni operate dagli abitanti, attualmente nella città dei Rom, tra baraccopoli, campi attrezzati e auto recupero di spazi occupati. Dal 2006 è titolare del corso di Arti Civiche della Facoltà di Architettura di Roma Tre, e dal 2012 è direttore del master Arti Architettura Città, ed è coordinatore del master PIMC – Politiche dell’Incontro e Mediazione Culturale. Tra le sue pubblicazioni: Constant. New Babylon, una città nomade, Testo & Immagine, Torino 2001 e Walkscapes. El andar como pràctica estética / Walking as an aesthetic practice, Editorial Gustavo Gili, Barcellona 2002, trad. it. Walkscapes. Camminare come pratica estetica, Einaudi, Torino 2006.

Alessandra Andrini vive e lavora a Bologna. La sua esperienza artistica si sviluppa in rapporto dinamico col contesto urbano, architettonico e paesaggistico, con l’ambiente, con la storia, con la memoria collettiva. Il percorso espositivo inizia nel 1997 negli spazi della Stazione di Bologna e trova il primo riscontro internazionale con East International , UK , a cui segue la candidatura per il P.S.1- Moma International Studio Program nel 2001, proseguendo in un percorso a doppio binario nel dialogo con luoghi istituzionali e spazi non protetti. Uno sguardo quasi antropologico stimola il suo lavoro ad indagare le relazioni comportamentali che si instaurano in particolari luoghi della contemporaneità, ad agire questi luoghi. Interviene nel sottopasso della stazione di Bologna con “BREAK OUT”, a Ravenna, all’interno della Basilica di S. Vitale con “Pagina” , nei sotterranei della metropolitana di Parigi con “OEUVRE 270600“, al Parco Cervi di Rimini con “Alyssum”, sull’autostrada A 14 con “BIGLIA”, in Piazza dell’ Università a Prato con “Count up”.

CROSSOVER/ATTRAVERSAMENTI

sperimentazione creativa e contaminazioni fra immagine, narrazione e progetto

Si riparte con il giornalista RAI di Fabrizio Binacchi per continuare con l’attore Alessandro Bergonzoni, la studiosa di cinema Loretta Guerrini, il Collettivo grafico Meat, il designer Fabrizio Fornasari e il fumettista ed editore Igort.

Calendario completo di maggio/giugno